EL MEDITERRANEO, CUNA DE EUROPA

Una excepcional muestra de obras de la Antigüedad grecolatina, procedentes de distintos museos europeos (Nápoles, Ferrara, Orvieto, Florencia, Roma, Amsterdan, Dresden, Bolonia, Ciudad del Vaticano, Atenas, Madrid, Zaragoza, Cartagena y otros) nos permite recrear el espíritu en torno al cual nació la idea de Europa. Un territorio que incluye el Medio Oriente y Egipto, donde un mosaico de pueblos bañados por las aguas del mar Mediterráneo e interrelacionados por una serie de mitos e ideas análogas, a pesar de tener formas diferentes de expresión, se solidarizaron al reconocer el vínculo sutil que las unía a su origen común in illo tempore.

Entre las numerosas piezas artísticas, representaciones de escenas de héroes legendarios como Heracles-Hércules o Jasón, bustos y hermas de sabios destacados, caso de Sócrates y Platón, o frescos con distintas escenas mitológicas. Y a pesar de que aquí sólo mostramos una pequeña selección de todo lo reunido (como no podría ser de otra manera) nuestra muestra cuenta con un valor añadido, ya que hemos incluido textos alusivos al tema tomados de la sabia pluma de Federico González Frías, extraídos de su Diccionario de Símbolos y Temas Misteriosos, importante obra ya referenciada hace algunos meses en este blog; fragmentos distinguidos por estar entre comillas y con las iniciales F.G.F.

Europa y el Toro. Fresco de Pompeya, proveniente de la Casa del Amor.

25-45 d.C. Museo Arqueológico de Nápoles.

La escena recoge el momento en el que Zeus, disfrazado de toro, ha conseguido enamorar a Europa. El hecho se produce en un territorio situado bajo la constelación de las Pléyades, una de cuyas estrellas es Maya, la ninfa con la que Zeus engendró a Hermes. Y este es el motivo por el que el padre todopoderoso le confía a este hijo suyo la estratagema de esta seducción.

Rapto de Europa. Terracota siglo IV a.C. Museo Allard Pierson. Amsterdan.

De las distintas y bellas representaciones del rapto de Europa reunidas en esta exposición, hemos querido incluir esta estatuilla de una majestuosa y serena princesa, hija del gran rey Agenor de Tiro, quien aparece montada sobre el toro, al estilo de las Amazonas. 

Anfora Atica con Heracles-Hércules y las Amazonas. Siglo VI a.C.

Museo Arqueológico de Florencia.

La escena representada en esta vasija alude al noveno de los doce trabajos impuestos al héroe civilizador Heracles-Hércules, tarea que consiste en conseguir el cinturón de Hipólita, la reina de las Amazonas, regalo que ésta había recibido de su padre, Ares, dios de la guerra. Hipólita trató de seducirlo pero Hércules la

"terminó matando al igual que a sus súbditas. Como se había previsto, no sólo trajo a Argos tal adminículo sino también el hacha de la reina con atributos mágicos de combate. El ganado rojo de Gerión se encontraba en la isla Eritrea y para llegar allí se sucedieron toda clase de aventuras que son el cuerpo y la substancia de este trabajo, entre ellas la instalación de las célebres columnas separando África de Europa y otras muchísimas correrías que proveerían a esta labor de una nutrida mitología". (F.G.F.)

Anfora tirrena 575-550 a.C. donde se representa a Heracles-Hércules liberando a Prometeo. Museo Arqueológico de Florencia.

"Prometeo es hijo de un Titán, como Zeus lo es de otro, y tiene varios hermanos. En algunas Tradiciones es considerado como el creador del hombre, aunque principalmente es tomado como su bienhechor pues robó semillas de fuego de la rueda del propio sol –o de la fragua de Hefesto, como hemos dicho–, para entregárselas a los hombres, salvándolos. Por ello fue encadenado por Zeus con cables de acero mientras un ave nacida de Tifón se alimentaba de su hígado que se regeneraba permanentemente, como el propio fuego. Cuando Heracles pasó por donde se encontraba Prometeo lo liberó. Como Prometeo era a su vez profeta devolvió el favor, le mostró cómo coger las manzanas –de oro– del jardín de las Hespérides". (F.G.F.)

Cerámica ática. 570-560 a.C. Museo Arqueológico Nacional de Tarquinense

La escena de esta vasija recoge el combate en el que Hércules lucha contra Tritón, ser medio humano y medio pez, dado que era hijo de Poseidón y Anfítrite y el único que conocía el emplazamiento del jardín de las Hespérides

Cabeza de Heracles-Hércules. Mármol de Carrara. Procedente de Nemi (Roma) área del teatro romano, templo de Diana. Siglo II d.C. Museo Nacional de Roma.

Se dice que fue este héroe o semi-dios, quien colocó las dos

"célebres columnas que se decía separaban a Europa de Africa por el Mediterráneo-Atlántico; una en el norte de África y la otra en el sur de España (se supone que cerca de Gibraltar) y sobre ellas pendía, de modo figurado, el lema 'Non Plus Ultra'" (F.G.F.).

Busto de Hércules. Mármol. 140-170 d.C. Staatliche Kunstsammlungen Dresden.

Aquí se nos presenta al héroe en actitud victoriosa, con el trofeo de la piel de león de Nemea cubriéndole la cabeza y hombros. Al respecto dice un emblema de Alciato, citado por F.G.F. en su Diccionario:

"QUE LA ELOCUENCIA PUEDE MÁS QUE LA FUERZA

Lleva en la siniestra el arco, en la diestra la / dura maza, y cubre su cuerpo desnudo el / león de Nemea. – ¿Es, pues, ésta la imagen de Hércules? / – No es pertinente una cosa: que sea viejo y /lleve las sienes canosas. ¿Por qué, con la / lengua atravesada por finas cadenas, arrastra / fácilmente a los hombres que las tienen / fijadas a las orejas? / –¿Acaso no dicen los galos que el / extraordinario Alcides dio a los pueblos leyes / por la fuerza de la elocuencia y no de las / armas? Las armas ceden ante las togas y / aunque los corazones sean muy duros, la / poderosa elocuencia atrae hacia sus votos.

Eros y Psiqué. Fresco de Pompeya. Proveniente de la Casa de Tarentius Neo. 
45-79 d.C. Museo Arqueológico de Nápoles.

Son varias las obras expuestas que representan este mito que escenifica el beso de amor entre el alma humana y el espíritu con el que ansía unirse.

"Simboliza el beso de amor entre el alma humana intermediaria entre el cuerpo y el espíritu. [Psiqué] Es también una diosa griega cuyo mito más importante lo protagoniza junto a Eros que se prende de ella por su belleza, la que la propia Afrodita envidiaba. Cuando Psiqué está en peligro Eros la rescata y le entrega su amor cada noche en su palacio pero a condición de que no se entere quién es él. Estos amores de Eros y Psiqué han provocado intensas emociones en numerosos artistas que las han testificado tanto en la escultura como en pintura". (F.G.F.)

Eros y Psiqué. Siglo II d.C. Staatliche Kunstsammlungen Dresden.

Dicen que la Belleza es la madre del Amor

¿y el padre, quién, sino el conocimiento de esa Belleza?

Herma de Sócrates. Mármol de Carrara. Copia de un original de mediados del s. IV a.C.

Museo Arqueológico de Nápoles.

"Como decía Cicerón, hay una frase que queremos recordar a los filósofos modernos y a los eruditos tan pagados de sus conocimientos:

'la ausencia de saber está en el principio de la filosofía'. (Sobre la Naturaleza de los Dioses, I, 1) repitiendo 'el sólo sé que no sé nada' de Sócrates". (F.G.F.)

Cabeza de Platón. Mármol. Copia romana de un original griego 340 a.C. Munich Colección Robert Boehringer

"Platón basado en Sócrates y teniendo el fundamento de todo el pensamiento griego, Orfeo, Pitágoras, los presocráticos y estoicos incluidos y tan comprensivo respecto al pensamiento mítico (Hesíodo, Homero, etc.), al que explica y pone en valor, recordando la herencia recibida de Egipto, Mesopotamia, Persia, India y de otras fuentes orientales (incluso nórdicas) –donde se menciona la influencia que han tenido los griegos sobre esas Tradiciones, pero no a la inversa– es el fundador de la filosofía y un renovador y actualizador de la cosmogonía y metafísica de la Antigüedad, es decir, de la Tradición Primordial, y a la vez un autor al que nos conduce cualquier camino, cabo suelto, o tema sobre el que podamos hoy especular, sintetizando en sí todo lo que el término filosofía pueda expresar". (F.G.F.)

Fragmento de sarcófago con relieve de Jasón y Medea. Mármol de Carrara. Siglo II a.C. Museo Nacional de Roma

"Jasón reconocido por su belleza fue criado por el centauro Quirón. Era príncipe de Yolcos pero su tío Pelias quiso desembarazarse de él y lo envió a la conquista del legendario Vellocino de Oro en la expedición de la nave Argos. (Ovidio, Metamorfosis, VII).

Auxiliado por Medea y sus artes mágicas, culmina con éxito esta gesta heroica. El argonauta, después de peligros increíbles, tuvo el deseo de volver a su hogar y así lo hizo regresando casado con la maga Medea". (F.G.F.)

Urna cineraria etrusca. Volterra. Alabastro. Segunda mitad del siglo II a.C.

Museo Arqueológico de Florencia.

Escena de la Odisea donde se ve a Ulises durante su periplo a Itaca. Pertenece a la gran colección etrusca reunida, en un principio, por Cosme de Medici.

"El gran héroe de la antigüedad clásica cuyas aventuras fueron narradas por Homero en la Odisea debe ser tomado como el aventurero que viaja en pos del Conocimiento tal como los trabajos que tuvo que enfrentar Heracles y aún héroes menores como Jasón y su búsqueda del Vellocino de Oro, apoyado por Medea, o el propio Cadmo. Pero es Homero quien aprovechando las aventuras de este personaje prodigioso graba para siempre en sus relatos poéticos la Teogonía y la historia mítica de las naciones que han sido influidas por la Tradición grecorromana, incluso los personajes de sus obras han sido tomados como ejemplo moral para distintos pueblos". (F.G.F.)

Orfeo entre los animales. Mosaico romano II/III d.C. Museo de Zaragoza.

"Dios de la música y la poesía por excelencia, es el inventor de la cítara como Hermes lo es de la lira. También se lo hace hijo de Apolo, con el que así es vinculado, por lo tanto con la lira que Hermes obsequia al dios solar. Igualmente, relacionado con Dioniso es por excelencia la deidad de los misterios iniciáticos de las primitivas escuelas griegas que desembocan en Platón que, junto con otros autores clásicos hace mención de él. Es asociado a Eleusis y de hecho a todas las escuelas iniciáticas griegas de las que se dice ha sido el fundador. Sus dulces cantos transportan el alma y dan la paz a los afligidos". (F.G.F.)

La Academia de Platón. Pompeya, Mosaico de la Casa de T. Siminius Stephanus. 

110-80 a.C. Museo Arqueológico de Nápoles

"Academia platónica llamada así por hallarse situada en los jardines de Academo que había rendido culto allí a los gemelos Cástor y Pólux y que fue fundada por Platón alrededor del 390 a. C. basándose en las enseñanzas de Sócrates y también de Pitágoras y el orfismo donde concurrieron con toda seguridad los personajes que pueblan sus diálogos. La Academia continuó sus enseñanzas hasta el 591 d. C. En este tiempo se refundó varias veces siendo uno de sus últimos representantes el neoplatónico Proclo, aunque prosiguió viva por cuanto la Tradición Platónica ha continuado presente hasta nosotros, especialmente con el impulso que le otorgó Marsilio Ficino durante el Renacimiento ya que logró mediante su labor revitalizar otra vez el pensamiento del filósofo griego". (F.G.F.)

Crátera con Dioniso y Phlyax. Cerámica de Paestum 360-320 a.C.

Museo Arqueológico de Madrid.

En la imagen se ve a un Dioniso juvenil portando una copa de vino en la mano derecha y el tirso en la izquierda, y claramente interrelacionándose con Phlyax, personaje que representa la parte tragicómica y burlesca de los dioses, un personaje

"sumamente popular, lo que queda claro en jarrones, platos y vasos de Paestum, que parecerían tener un interés muy marcado por este personaje o por otros análogos: bien con el pelo cano o completamente blanco; en grupos, apareciendo de formas diferentes, tal vez maquillados". (F.G.F.)

La Diosa Fortuna. Finales del siglo II d.C. Mármol, 154 cm. Museo del Prado. Madrid.

"Para los romanos, y posteriormente en el Renacimiento, se la asocia con la suerte personal, y la riqueza, como en la lámina número diez del Tarot, la Rueda de la Fortuna, aunque puede ser tomada principalmente en sentido espiritual por la que algunos personajes suben y otros bajan expresando al azar, un componente presente en todos los casos y cosas del mundo. En ese mismo sentido se la suele figurar como una mujer alada, que al igual que Mercurio lleva pies con alas y está encaramada a una rueda. Se la puede vincular con la Tiqué griega protectora de ciudades e individuos.

Los romanos representaron también a la diosa con la cornucopia de la abundancia, rebosante de mieses y frutos dada la generosidad que representa su simbólica. Horacio dice de ella (Odas I, 34): Puede la divinidad trocar lo abyecto por lo sublime y humillar al ilustre, sacando a la luz lo que estaba en tinieblas". (F.G.F.)

            Hasta el 15 de Junio en Barcelona. Caixa Forum.

Rastros del Norte. Norteamérica Antigua

El Museo Barbier-Mueller de Barcelona presenta actualmente una exposición que reúne piezas de distintas culturas pre-colombinas, que abarcan todo el Norte de América hasta el área Maya de México.  Recomendamos vivamente esta exposición, pues siempre es regenerador para el espíritu sumergirse en el mundo arcaico, en un imaginario virginal, en este caso llevados por las culturas nativas del Nuevo Mundo. Esa sensación, casi a flor de piel, es la que recibe el visitante sensible a todo aquello que representa el arte simbólico como vehículo de lo sagrado.

Cada pieza tiene su propia identidad, y su misterio, es decir, está fijando una idea-fuerza, un arquetipo en definitiva, así se trate de culturas poco conocidas en general, como la Anasazi, hasta piezas que provienen nada menos que de Teotihuacán (Ciudad de los Dioses) el centro espiritual de la Cultura Tolteca.

Se hace evidente, durante todo el recorrido, que cada una de las muestras constituyen parte de un todo cual es la vieja Tradición Americana que a su vez es una parte de la Tradición Unánime.

Esta es una imagen de Chalchiutlicue, diosa de las aguas terrestres, de los ríos y los lagos. Segunda esposa de Xalotl, dios de la lluvia. A Chalchiutlicue se la llama también “la de la falda de jade”, pues se dice que cada una de las piedras verdes que cuelgan de su vestido representan los ríos de la tierra, que de ella nacen.

Esta es la imagen de Huehuetéotl, el dios viejo, dios del fuego, se le representa como un anciano encorbado. Esta figura fue encontrada en Veracruz, México. También hay en la muestra un vaso de cerámica, procedente de Guatemala, Cultura Maya, con la representación de este mismo dios anciano. 

Deidad risueña. Cultura Tolteca. Veracruz. México.

Cuenco de cerámica. Cultura Mogollón. Noroeste de Estados Unidos.

Sobre el interesante pueblo Mogollón y sus construcciones dentro de cuevas, dejo el siguiente link

http://pueblosoriginarios.com/norte/suroeste/mogollon/mogollon.html

Esta es una imagen de Ehécatl, dios del viento. Se trata de una de las manifestaciones de Quetzalcóatl, la Serpiente Emplumada, análogo a Hermes. Tomando el nombre de Ehécatl-Quetzalcóatl representa el aliento de los seres vivos y las brisas que traen las nubes con lluvia.

Figura humana. Tamaño natural. Cultura Azteca. México.

Figura antropomorfa. Cultura Azteca. México.

Indianas

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“A la espera” es el nombre con el que se presenta esta indiana en la que se ve a una mujer con un bastidor frente a un reloj.

Indianas es el nombre que se dio a las telas estampadas que venían de la India a Europa, siendo los portugueses los primeros en traerlas a partir del siglo XVI. El nombre de estampados procede del tampón con que se realizaba la silueta del dibujo sobre la tela, la que luego se pintaba con un pincel a mano.

En Europa desde la Edad Media hubo intentos de decorar los tejidos lisos utilizando la técnica de la xilografía, por ejemplo en Alemania donde se hicieron estampados monocromos con decoración de influencia bizantina, o en Venecia donde se conservan moldes de estampados como la Tela de Sión. Sin embargo, la intensidad del color con que se realizaban los decorados que venían con el comercio de Oriente, causó un verdadero impacto y muy pronto estos tejidos fueron muy valorados llegando protegidos en los barcos junto a las cosas más valiosas.

Para realizar un tejido estampado que sirviera para decorar una pared, hacer un cortinaje o tapizar unas sillas, eran necesarios varios tampones que recogieran los motivos por separado. Esto se ve bien en el siguiente tejido oriental donde se representa un árbol de la vida que tiene a sus lados dos pájaros que miran en la misma dirección, lo que indica que se utilizó el mismo tampón.

Arbol de la vida, textil oriental.

La técnica, aunque ahora nos parece muy laboriosa, suponía un adelanto de tiempo al compararse con la elaboración de los dibujos en tejidos de seda en los que se avanzaba diez centímetros al día.

Para los creativos el estampado o pintado de las telas supuso un notable cambio ya que se daba mucho más movimiento a las figuras que el que podía obtenerse con la seda. Por otro lado la técnica del estampado abarató el tejido siendo más los que podían usar estas telas, lo cual representó una auténtica innovación que puso más cerca del público en general la ropa decorada, algo que antes sólo podían utilizar los nobles y la burguesía.

A lo largo del siglo XVIII comenzó a desarrollarse la fabricación de aquellas telas exóticas, con flores nunca vistas. Todo ello produjo el inicio de una gran Revolución Industrial que tuvo varios focos en toda Europa.

En España también comienzan a elaborarse las indianas en distintos lugares aunque finalmente sería en Barcelona donde acabó teniendo más raigambre, de tal modo que hasta la arquitectura se plegó para albergar las fábricas de tejidos; es el caso de las naves modernistas muy abundantes no sólo en Barcelona capital, sino también en Terrassa y Sabadell, siendo hoy edificios reconvertidos en museos o casas de cultura. (Un día os mostraré algunos de estos edificios, son de no creer por espectaculares y bellos).

Volviendo a los tejidos, decir que al principio no se supo cómo hacían en Oriente para que los colores sobre las telas permanecieran sólidos y por eso los primeros estampados no podían lavarse, estando por ello su uso limitado a la decoración de interiores. Una vez conseguido ese conocimiento, seguramente en una acción que tiene que ver con las primeras introspecciones del espionaje industrial, las indianas pasaron a ser frecuentes también en la indumentaria.

Sin embargo es interesante saber que todo cuanto estuvo relacionado con el tinte de los tejidos ha constituido desde antiguo un secreto de oficio y por ello estaba prohibido revelarlo. Por ejemplo los fenicios ocultaron la fórmula para conseguir el púrpura y los tonos carmesí, una tintura que les hizo ser un pueblo próspero a través de su comercio, pues todos querían tener sus magnificas telas.

En Europa fueron los gremios de artesanos los que conservaban los conocimientos y secretos de las tinturas, siendo los maestros de esos gremios los que sabían cómo extraer y llevar a la tela todos los colores en que se fragmenta la luz del arco iris, por ejemplo el preciado y bello azul ultramar conseguido de la piedra preciosa lapislázuli, o las tonalidades obtenidas de las secreciones de diferentes especies de moluscos, o a partir de la cocción y fermento de determinados vegetales.

Palma de cachemir y granadas. Hoy en día todo un clásico de la elegancia.

Además de los motivos florales y paisajísticos, donde se mezclaron las granadas de la heráldica con flores orientales desconocidas, se trasladó al estampado la técnica del tapiz medieval y renacentista e imitaron escenas historiadas y mitológicas extraídas de la literatura clásica.

Actualmente se conservan algunas muestras de estas indianas en distintos museos, se trata de trozos de tela clasificados como obras históricas debido a la aportación que éstas ofrecen en los diferentes campos de la historiografía.

A continuación expongo una muestra de estas indianas pertenecientes a la Colección Frederic Mares que junto a otras, que también presento, se encuentran en el Museo de Historia de Sabadell y son un verdadero documento no sólo histórico, sino artístico y tecnológico.

Rico estampado monocromo plagado de elementos renacentistas. Podemos ver en el cuadrado de la parte inferior una cabeza de Hermes y bajo ella una imagen de alguna fábula de La Fontaine. Nos imaginamos muy bien lo que sería ver esta estampación al completo en metros de pared o en unas cortinas.

Ofrenda en el templo de Vesta. Fragmento recortado para cubrir la barra de algún cortinaje

Arco de triunfo junto a un templete

Ofrenda ante una estatua de Apolo

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Palladio, el Arquitecto de Arquitectos

Estructura de la Basilica de Vicenza

El nombre de Andrea di Pietro della Gondola (Padua, 1508 - Vicenza, 1580), más conocido como Palladio, evoca la belleza y la gracia de las formas arquitectónicas, pues este artista, que pasó de cantero en Padua hasta ser considerado “arquitecto de arquitectos”, cautivó al mundo con su forma de concebir la Arquitectura, de acuerdo al ideario platónico que inspira su pensamiento.

Palladio forma parte del conjunto de artistas que como él, o junto a él, forjaron el Renacimiento. Me refiero a todos aquellos seguidores de la filosofía clásica, también llamada ciencia de Hermes, impulsada, en ese periodo, por Marsilio Ficino y que se caracterizó por un renacer de la creatividad en las artes, las ciencias, la literatura, los descubrimientos y todo aquello que suponía una expansión de las fronteras intelectuales.

Como muchos creadores de su época Palladio siente el respaldo de personas que se implican en sus proyectos y le ayudan a llevarlos a la práctica.

“Estoy seguro de que me consideraran muy afortunado…por haber encontrado caballeros de mente tan noble y generosa y tan excelente criterio que han atendido mis razonamientos y abandonado ese anticuado modo de construir sin ninguna gracia ni belleza en absoluto”.

De su filiación intelectual con las ideas herméticas da cuenta su propio nombre artístico, Palladio, derivado de Palas Atenea, la diosa griega protectora de las artes, con cuyos dones, a la vista está, este artista contaba.

Portada de una edición española del Libro Primero de la Arquitectura, de Andrea Palladio, que trata de cinco ordenes para fabricar, y otras advertencias. Traducido de Toscano en Castellano, por Francisco de Praves, Arquitecto y Maestro Mayor. Valladolid 1625.

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Palladio contempló las ruinas romanas, pero no cayó en el error de tomarlas como los restos de una civilización inferior por preceder en el tiempo, sino que supo ver en los restos de esa arquitectura, fuerte, robusta y de armónica y exuberante belleza, la grandeza del imperio que la creó.

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“Y porque siempre fui de la opinión de que los antiguos romanos, como en tantas otras cosas, también en el construir aventajaron con mucho a todos los que vinieron después, tomé como maestro y guía a Vitrubio, y me apliqué a la investigación de los restos de los edificios antiguos”

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Roma Quanta fuit ipsa uina docet

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“La grandeza que tuvo Roma la declaran sus mismas ruinas”

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Para Palladio, como para otros artistas que comparten con él el ideario hermético de los humanistas, su interés nunca se redujo a imitar las formas estéticas de ese pasado, sino a adaptar los conocimientos a espacios nuevos y acordes a las nuevas ciudades.

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Por ello diseñó sus edificios como organismos vivos, independientes, donde todos los espacios forman parte de una unidad. Edificios interrelacionados con el exterior en los que los puntos de entrada para la luz son principales. También concedió especial importancia a los espacios privados dando vida a las zonas de tránsito entre las distintas estancias.

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“La città non sia altro che una casa grande e per lo contrario la casa, una città piccola.”

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Este maestro renacentista escribió I Quattro Libri dell'Architettura donde transmitió esta visión del arte arquitectónico en el cual lo importante es no romper nunca el paisaje, sino integrar el edificio en él. Asimismo que toda construcción ya fuera un puente, un granero, un mercado, un palacio o una iglesia, debía seguir el mismo criterio arquitectónico y por lo tanto ser funcional y bella al mismo tiempo.

Villa Rotonda, construida sobre una colina como casa de retiro y estudio de su dueño. Se encuentra en la ciudad de Vicenza, Italia. Se trata del prototipo arquitectónico más estudiado e imitado durante los siguientes cinco siglos.

.“Antes de empezar con la construcción se debe estudiar cada componente de la planta y del alzado del edificio que se va erigir. En cada edificio han de tenerse en cuenta, como nos enseña Vitrubio, tres cosas sin las cuales ningún edificio merece alabanza. Estos tres puntos son: la funcionalidad o comodidad, la durabilidad y la belleza.

…La belleza resulta de las formas bellas y de la correspondencia de unos componentes con otros, y de estos con el total, de modo que el edificio aparezca como un cuerpo unitario y acabado. Si cada componente se relaciona con los demás, si todos los componentes son estrictamente indispensables entonces se ha alcanzado el propósito"

Una exposición con más de 180 obras entre pinturas, dibujos y maquetas realizadas a gran escala, se exhiben en distintas ciudades. Se trata de una muestra que explora la determinante influencia que este arquitecto ha ejercido en aquellos a los que llegó su idea de que la belleza en la construcción no está reñida con la funcionalidad, el ingenio y la innovación a través de nuevos materiales. Gracias a esas ideas hoy encontramos construcciones sorprendentes en todas partes.
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Yo he visto esta exposición en Montjuic, en la fundación la Caixa de Barcelona, donde permanecerá hasta 6 de septiembre de 2009, luego viajará a Madrid como antes ha estado en otras ciudades europeas, todo ello con ocasión de conmemorarse el quinto centenario del nacimiento del arquitecto renacentista.

Sobre estas líneas Vicenza, vista aérea de la Basílica. Extraida del Catálogo de la exposición.

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Núria. DESDE MI VENTANA, hacia los mares de un mundo simultáneo.

Plomadas

Herramienta artesanal por excelencia, e imprescindible junto al Nivel en cualquier construcción, la plomada es una herramienta universal, como lo demuestra esta exposición donde las hay de todos los continentes: Australia, Bulgaria, Tíbet, España, Brasil, Madeira, Israel, China, Estados Unidos, Birmania, Portugal, Italia, Inglaterra, India, Holanda… Todas ellas han servido para la construcción, lo que nos habla no sólo de la universalidad de la idea que representa, sino del mismo oficio de constructor, una de las artes más antiguas que existen.

En el simbolismo constructivo, la plomada alude al eje que comunica el Cenit con el Nadir, y por ello mismo establece la vertical de todo edificio. Reúne en sí misma lo leve con lo denso, ejemplificado por el hilo y el peso de la plomada.

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El simbolismo primordial de la plomada está relacionado con la Estrella Polar, de la que según se ve en la iconografía masónica, pende la plomada del Gran Arquitecto del Universo.

Por ello es esta herramienta la que está suspendida del techo de la Logia, que es una imagen simbólica del Cosmos, desde donde desciende en perpendicular hacia el centro o corazón de la misma, representación del propio centro o corazón del masón, que une así su ser individual a su Origen y Principio.

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Ese eje norte-sur establecido por la plomada define no sólo la dirección vertical Cenit-Nadir que une lo más alto de los cielos con lo más profundo de la tierra, sino que además crea las direcciones del espacio, es decir, orienta el mundo. Es por ello que los masones circulan de Oriente a Occidente y de Mediodía a Septentrión, teniendo como referencia constante el centro de la Logia establecido por la plomada misma, de donde desciende la voluntad del cielo.

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Estas plomadas, hechas unas de piedra otras de distintos metales y diferentes formas, pertenecen a la colección del arquitecto vallisoletano Primitivo González y han sido expuestas en diversoss lugares de España, entre ellos el Museo Etnográfico de Castilla y León en Zamora, donde se creó la exposición. Las instantáneas que muestro aquí han sido tomadas en el Colegio de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Barcelona, lugar donde se han expuesto recientemente.

Felicitamos a quienes diseñaron la exposición, dado que tiene una enorme gracia, pues las cientos y cientos de plomadas (más de 500) aparecen completamente alineadas y suspendidas en el aire, e iluminadas a la altura de los ojos, mientras la sala, con pasillos negros y oscuros (por momentos laberínticos), obligan a que toda la atención se centre en las plomadas.

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Me gustaría complementar esta nota con un extraordinario artículo publicado por: El Taller-Revista de Estudios Masónicos, titulado:

-El Nivel Masónico ¿Una misión de nivelación o de unión?

de John Deyme de Villedieu.

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Fotos y texto. Núria Prats

Anillo de Symbolos

Página Principal de Desde mi Ventana

LA ILUSTRACIÓN ILUSTRADA . SIMBOLOGÍA MASÓNICA

Federico González y Mª Ángeles Díaz subiendo a la exposición. Foto Francisco Ariza.

Con el título “Il.lustració il.lustrada. Simbologia Maçònica” permanece hasta el 22 de Septiembre de 2008 en la Biblioteca Arús de Barcelona (Paseo Sant Joan, 26) una exposición de Manel Rubiales, artista contemporáneo e ilustrador, diseñador de carteles, portadas de libros, etc, quien también ha colaborado en la llamada prensa “underground” de los años setenta y principios de los ochenta. En la actualidad dirige un taller en la escuela de arte Eina de la ciudad condal donde enseña la técnica del ensamblaje. Rubiales es además un gran viajero que después de una larga temporada viviendo en los EE UU regresa a su ciudad natal.

La muestra que este artísta nos presenta consiste en una bella recreación plástica y tridimensional cuya composición artística a base de superposiciones y ensamblajes de cartón, madera y otros elementos, tiene como motivo la iconografía masónica. Concretamente el tema central de la exposición son los cuadros de logia de los tres primeros grados de la Masonería, que es donde se condensa la cosmovisión de esta Orden iniciática. El artista, a través de un trabajo artesanal minucioso y esmerado que según dicen pertenece al estilo "Povera", que se define por emplear materiales sencillos y trasformarlos en una obra elogiosa. El artista se centra en la belleza de estos cuadros, de Logia , lo que es un modo de aproximarse a ellas.

Podría decirse que si la Sabiduría concibe las ideas y la Fuerza las sostiene, aquí, efectivamente, la Belleza las adorna. En el caso que nos ocupa el autor de esta recreación infunde a los cuadros masónicos un cierto aire venido del “modernismo”, ese estilo artístico que marcó una época en Cataluña y que es tan característico en determinados artistas actuales que lo han heredado como parte de su patrimonio cultural.

Cuadro de Primer Grado, Aprendiz

Cuadro de Segundo Grado, Compañero.

.Cuadro de Tercer Grado, Maestro

Recreación de tres escenarios de la simbología masónica. Cada uno de ellos costituye una síntesis símbolica de cada una de las tres cámaras masónicas. La Primera: Aprendiz, La segunda :Compañero, la tercera: Maestro.

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Las cajitas que siguen conforman las piezas de un puzler que, articuladas según la técnica del ensamblaje, terminan siendo una sola caja, tal y como se puede apreciar en la secuencia siguiente.

Recreación del Delta Luminoso.

Aprendiz. Las "Tres Grandes Luces" de la Masonería: El "libro de la ley Sagrada", el "Compás" y la "Escuadra", aparecen aquí sobre el pavimento mosáico. En la primera cajita estos símbolos estan dispuestos según la cámara de primer grado y se distingue porque la escuadra, símbolo de la tierra, está sobre el compás, símbolo del cielo.

Compañero. Aquí una punta del compás está ya sobre la escuadra, significando de ese modo los progresos del masón, ya compañero, por cierto que Compañero es el que comparte el pan, naturalmente el pan que el compañero está en disposición de compartir son sus bienes espirituales e intelectuales, sus logros, algo que sólo puede dar aquel que lo posee, que lo ha adquirido en su etapa de aprendiz.

Maestro. Las "Tres Grandes Luces" están, en esta tercera cajita, dispuestas según la "Cámara de Tercer Grado" también llamada "Cámara del Medio". Su simbolismo está relacionado con los misterios del grado de Maestro. Aquí el compás está sobre la escuadra. El cielo sobre la tierra.

Recreación de distintos símbolos del Segundo Grado, cuyos secretos están velados y a la vez se revelados, en la simbólica del número cinco y de la letra G.

En este escenario se ve una puerta cerrada y una abierta, pues velar y desvelar es lo que hacen los símbolos masónicos.

Aquí el artísta toma algunos símbolos de la Logia, tales como el pavimento mosáico, las dos luminarias, Sol y Luna y las columnas J. y B. , donde simbolicamente está depositada toda la Sabiduria antediluviana y cuyos signos misteriosos grabados en ellas fueron descifrados una por Hermes Trismegisto y otra por Pitágoras, las dos corrientes que nutren intelectualmente a la Masonería. Por eso se dice que los masones reciben su salario junto a ellas. Estas dos columnas, situadas a la entrada del templo de Salomón, constituyen las piernas de la madre Logia por entre las que es parido el neofito al interior de la Logia, es decir en el seno de su luz y su didáctica. Se trata de un nacimiento que se produce tras la muerte a su condición de profano o ignorante.

Los símbolos recreados aquí son, por un lado, una escala de ascenso por los cinco sentidos y por otro, una imagen de la muerte. Naturalmente es un símbolo de la muerte iniciática, que es para la Masonería, el primer paso de la obra de autorregeneración, pues unicamente después de morir a la ilusión de lo que uno no es, puede nacer a su verdadera identidad.

Al final de esta secuencia de imágenes, o escenarios simbólicos, el artista hace aparecer todos estos escenarios ensamblados en una sola cajita, la cual constituye un juego nemotécnico para aquel que quiera descifrar o profundizar en esta simbólica arquetípica y por lo tanto universal.

Toda la Cosmogonía Masónica en una cajita.

Instantáneas tomadas en dos de de las salas de la biblioteca Arús de Barcelona, donde se celebra esta exposición

Núria (M Ángeles Díaz)
Desde mi Ventana (última entrada)

Gran Logia Operativa Latina y Americana 

Francisco Ariza